Henry Cowell

Henry Cowell (el 11 de marzo de 1897 – el 10 de diciembre de 1965) era un compositor americano, teórico de la música, pianista, profesor, editor y empresario. Su contribución al mundo de la música fue resumida por Virgil Thomson, que escribe a principios de los años 1950:

La música de Henry Cowell cubre una variedad más amplia tanto en expresión como en técnica que ese de cualquier otro compositor vivo. Muchos consideraron que sus experimentos comenzados hace tres décadas en el ritmo, en la armonía, y en sonoridades instrumentales entonces eran salvajes. Hoy son la Biblia de los jóvenes y de todos modos, a los conservadores, "avanzados".... Ningún otro compositor de nuestro tiempo ha producido un cuerpo de trabajos tan radicales y tan normales, tan penetrantes y tan completos. Añada a esta producción masiva su carrera larga e influyente como un pedagogo, y el logro de Henry Cowell se hace impresionante en efecto. No hay ningún otro completamente como ello. Dan para ser tanto fecundos como correctos con pocos.

Años mozos

Nacido en el parque rural Menlo, California, a dos escritores bohemios — su padre era un inmigrante irlandés y su madre, un ex-maestro, se había trasladado de Iowa — Cowell demostró el talento musical precoz y comenzó a tocar el violín a la edad de cinco años. Después del divorcio de sus padres en 1903, fue criado por su madre, Clarissa Dixon, el autor de la novela feminista temprana Janet y Su Querida Phebe. Su padre, con quien mantuvo el contacto, le presentó en la música irlandesa que sería una piedra de toque para Cowell durante su carrera. No recibiendo ninguna educación musical formal (y poca educación de ninguna clase más allá de la tutela de casa de su madre), comenzó a formar a su mediados de la adolescencia.

Antes del verano 1914, Cowell escribía trabajos realmente individualistas, incluso el Baile de la Cólera con insistencia reiterativo (Baile al principio Loco). Esa caída, Cowell en gran parte autoenseñado se admitió a la universidad de California, Berkeley, como un protegido de Charles Seeger. Allí estudió la armonía y otros sujetos bajo Seeger y Edward Griffith Stricklen y contrapunto bajo Wallace Sabin. Después de dos años en Berkeley, Cowell prosiguió estudios adicionales en Nueva York donde encontró a Leo Ornstein, el compositor-pianista radicalmente "futurista". Todavía un adolescente, Cowell escribió la pieza del piano Movimiento Dinámico (1916), su primer trabajo importante para explorar las posibilidades del racimo del tono . Requiere que el ejecutante use tanto antebrazos para jugar cuerdas secundal masivas como pide que llaves se dominen sin sonar para ampliar e intensificar sus alusiones del racimo disonantes.

Cowell pronto volvió a California, donde se había hecho complicado con una comunidad teosófica, Paradisíaca, conducida por el poeta irlandés John Varian, que abasteció de combustible el interés de Cowell a cultura popular irlandesa y mitología. En 1917, Cowell escribió la música para la producción de la etapa de Varian El Edificio de Banba; el preludio que formó, Las Mareas de Manaunaun, con sus racimos ricos, evocadores, se haría el trabajo más famoso y extensamente realizado de Cowell. En años posteriores, Cowell afirmaría que la pieza se había formado alrededor de 1912 (y Movimiento Dinámico en 1914), en una tentativa evidente de hacer sus innovaciones musicales parecer aún más precoces que ya eran.

Principal de carrera

Pionero musical

Comenzando a principios de los años 1920, Cowell viajó extensamente en Norteamérica y Europa como un pianista, jugando sus propios trabajos experimentales, exploraciones seminales de atonality, politonalidad, poliritmos y modos no occidentales. Hizo tal impresión con su técnica del racimo del tono que Béla Bartók solicitó su permiso de adoptarla. Otro método nuevo avanzado por Cowell, en piezas como Arpa Eólica (ca. 1923), era lo que dobló "el piano de la cuerda" — más bien que usar las llaves al juego, el pianista alcanza dentro del instrumento y valores, barridos, y por otra parte manipula las cuerdas directamente. Los esfuerzos de Cowell con técnicas del piano de la cuerda eran la inspiración primaria para el desarrollo de John Cage del piano preparado. En piezas de la música de cámara tempranas, como Cuarteto Romántico (1915–17) y Cuarteto Euphometric (1916-19), Cowell promovió un enfoque compositivo que llamó "la armonía del ritmo":" Ambos cuartetos son polifónicos, y cada hilo melódico tiene su propio ritmo," explicó. "Incluso el canon en el primer movimiento del Romántico tiene longitudes de la nota diferentes para cada voz."

En 1919, Cowell había comenzado a escribir Nuevos Recursos Musicales, que finalmente se publicarían después de la revisión extensa en 1930. Concentrándose en la variedad de conceptos rítmicos y armónicos innovadores que usó en sus composiciones (y otros que todavía eran completamente especulativos), tendría un efecto potente en la vanguardia musical americana durante décadas después. Conlon Nancarrow, por ejemplo, se referiría a ello unos años más tarde como tener "la mayor parte de influencia de algo que haya leído alguna vez en la música."

El interés de Cowell al ritmo armónico, como hablado en Nuevos Recursos Musicales, le llevó en 1930 a encargar que Léon Theremin invente Rhythmicon o Polyrhythmophone, un instrumento del teclado transponible capaz de jugar notas en ritmos periódicos proporcionales a la serie de la insinuación de un tono fundamental elegido. La primera máquina de ritmo electrónica del mundo, con un sistema de producción sano basado en el fotoreceptor propuesto por Cowell (no un sistema parecido a theremin, como algunas fuentes incorrectamente declaran), podría producir hasta dieciséis modelos rítmicos diferentes simultáneamente, completo de la síncopa opcional. Cowell escribió varias composiciones originales para el instrumento, incluso un concierto orquestado, y Theremin construyó más dos modelos. Pronto, sin embargo, Rhythmicon prácticamente se olvidaría, restante por tanto hasta los años 1960, cuando el productor de la música pop progresivo Joe Meek experimentó con su concepto rítmico.

Cowell persiguió un enfoque compositivo radical a través de mediados de los años 1930, con piezas del piano del solo restantes en el corazón de su salida — los trabajos importantes a partir de esta era incluyen al Hada (1925), requiriendo numerosos métodos de juego como pizzicato y barrido longitudinal y raspado de las cuerdas , y Tiger maníaco, lleno del racimo (1930), inspirado por el poema famoso de Guillermo Blake. La mayor parte de la reputación pública de Cowell siguió estando basada en su marca registrada pianistic la técnica: un crítico para las Noticias de San Francisco, escribiendo en 1932, se refirió a "los 'racimos del tono famosos de Cowell,' probablemente la contribución más alarmante y original cualquier americano ha contribuido aún al campo de la música." ¿Un compositor prolífico de canciones (escribiría más de 180 durante su carrera), Cowell volvió en 1930–31 al Arpa Eólica, adaptándola como el acompañamiento a un ajuste vocal de un poema por su padre, Qué edad Tiene la Canción? Añadió su oeuvre sustancial de la música de cámara, con piezas como el Adagio para el Palo de Truenos y el Violoncelo (1924) que exploró instrumentación extraña y otros que eran aún más progresivos: Seis Casual Developments (1933), para clarinete y piano, suena a algo que Jimmy Giuffre formaría treinta años más tarde. Su Ostinato Pianissimo (1934) le colocó en la vanguardia de los que escriben tanteos originales para el conjunto de la percusión. Creó piezas del conjunto grande poderosas durante este período también, como el Concierto para Piano y Orquesta (1928) — con sus tres movimientos, "Poliarmonía", "Racimo del Tono," y "Ritmo Contrario" — y la Sinfonieta (1928), cuyo scherzo Anton Webern condujo en Viena. A principios de los años 1930, Cowell comenzó a cavar seriamente en procedimientos aleatoric, creando oportunidades de ejecutantes de determinar elementos primarios de la realización de un resultado. Una de sus piezas de la cámara principales, el Cuarteto Mosaico (Cuarteto de cuerdas núm. 3) (1935), se marca como una colección de cinco movimientos sin la secuencia preordenada.

Ultramodernista y líder de la música mundial

Cowell era la figura central en un círculo de compositores de vanguardia que incluyeron a sus buenos amigos Carl Ruggles y Dane Rudhyar, así como Leo Ornstein, John Becker, Colin McPhee, el expatriado francés Edgard Varèse y Ruth Crawford, que convenció a Charles Seeger de tomar como un estudiante (Crawford y Seeger se casarían finalmente). Cowell y su círculo a veces se referían como "ultramodernistas", una etiqueta cuya definición es flexible y origen confuso (también se ha aplicado a unos compositores fuera del círculo inmediato, como George Antheil, y a algunos de sus discípulos, como Nancarrow); Virgil Thomson los diseñó los "compañeros de investigación rítmicos." En 1925, Cowell organizó la Nueva Sociedad de la Música, una de cuyo actividades primarias eran la organización de conciertos de sus trabajos junto con aquellos de aliados artísticos como Wallingford Riegger y Arnold Schoenberg, que pediría más tarde que Cowell juegue para su clase de la composición durante uno de sus viajes europeos. En 1927 Cowell fundó la Nueva Música periódica, que publicaría muchos nuevos tanteos significativos bajo su dirección, tanto por los ultramodernistas como por muchos otros, incluso Ernst Bacon, Otto Luening, Paul Bowles y Aaron Copland. Antes de la publicación de la primera cuestión, solicitó contribuciones de un compositor entonces obscuro que se haría uno de sus amigos íntimos, Charles Ives. Tanteos principales por Ives, incluso la Comedia de la Cuarta Sinfonía, el cuarto de julio, 34 Canciones, y 19 Canciones, recibirían su primera publicación en la Nueva Música; por su parte, Ives proporcionaría el apoyo financiero a los proyectos de vario Cowell (incluso, unos años más tarde, propia Nueva Música). Muchos de tanteos publicados en el diario de Cowell se hicieron aún más extensamente disponibles ya que las representaciones de ellos fueron publicadas por el sello discográfico estableció en 1934, Nuevas Grabaciones de la Música.

El movimiento del ultramodernista había ampliado su alcance en 1928, cuando Cowell encabezó un grupo que incluyó Ruggles, Varèse, su expatriado del mismo tipo Carlos Salzedo, el compositor americano Emerson Whithorne y el compositor mexicano Carlos Chávez en la fundación de la Asociación panamericana de Compositores, dedicados a la promoción de compositores de todo el Hemisferio Occidental y creación de una comunidad entre ellos que superarían líneas nacionales. Su concierto inaugural, sostenido en Ciudad de Nueva York en el marzo de 1929, presentó la música exclusivamente latinoamericana, incluso trabajos de Chávez, el compositor brasileño Heitor Villa-Lobos, el compositor cubano Alejandro García Caturla y el cubano Amadeo Roldán de origen francés. Su siguiente concierto, en el abril de 1930, se concentró en los ultramodernistas estadounidenses, con trabajos de Cowell, Crawford, Ives, Rudhyar y otros como Antheil, Henry Brant y Vivian Fine. Durante los próximos cuatro años, Nicolas Slonimsky condujo conciertos patrocinados por la asociación en Nueva York, a través de Europa, y, en 1933, Cuba. Propio Cowell había funcionado allí en 1930 y se había encontrado con Caturla, que publicaba en la Nueva Música. Cowell seguiría trabajando tanto en su nombre como en Roldán, cuyo núm. 5 (1930) Rítmica era la primera pieza aislada de la música clásica Occidental escrita expresamente para el conjunto de la percusión. Durante esta era, Cowell también extendió el credo experimental de los ultramodernistas ya que un profesor muy considerado de composición y teoría — entre sus muchos estudiantes era George Gershwin, Lou Harrison, que dijo que pensó en Cowell como "el consejero de consejeros," y John Cage, que proclamó a Cowell "el ajonjolí abierto para la nueva música en América."

El estímulo de la música de Caturla y Roldán, con sus ritmos orgullosamente africano-basados, y de Chávez, cuyo trabajo a menudo implicaba instrumentos y temas de los pueblos indígenas de México, era natural para Cowell. Creciendo en la costa occidental, se había expuesto a mucho de lo que se conoce ahora como "la música mundial"; junto con aire irlandés y bailes, encontró la música de China, Japón y Tahití. Estas experiencias tempranas ayudaron a formar su perspectiva musical excepcionalmente ecléctica, ejemplificada por su declaración famosa "Quiero vivir en el mundo entero de la música." Continuó a investigar la música clásica india y, a finales de los años 1920, comenzó a enseñar un curso, "La música de los Pueblos del Mundo," en la Nueva Escuela para la Investigación social en Nueva York y en otra parte — la tutela de Harrison bajo Cowell comenzaría cuando se matriculó en una versión del curso en San Francisco. En 1931 un compañerismo de Guggenheim permitió a Cowell ir a Berlín para estudiar la musicología relativa (el precursor a la etnomusicología) con Erich von Hornbostel. Estudió la teoría de Carnatic y gamelan, también, con instructores principales de India del Sur (P. Sambamoorthy), Java (Raden Mas Jodjhana) y Bali (Ramaleislan).

Encarcelamiento

Cowell, que era el bisexual, se detuvo y se condenó a un precio "de moralejas" en 1936. Condenado a una década encarcelamiento y medio, gastaría los próximos cuatro años en la Prisión del estado de San Quentin. Allí enseñó a presidiarios del mismo tipo, dirigió el grupo carcelario y siguió escribiendo la música en su paso prolífico acostumbrado, produciendo aproximadamente sesenta composiciones, incluso dos piezas principales para el conjunto de la percusión: el Pulso entonado del Modo oriental (1939) y la Vuelta memorablemente sepulcral (1939). También siguió sus experimentos en la música aleatoria: para tres movimientos de la Suite amerindia (1939), escribió cinco versiones, cada uno más difícil que el último. Los intérpretes de la pieza se invitan a funcionar simultáneamente dos o hasta tres versiones del mismo movimiento en pianoes múltiples. En Ritournelle (Larghetto y Trio) (1939) para el Matrimonio de la pieza de baile en la Torre Eiffel, que funciona en Seattle, exploró lo que llamó la forma "elástica". Las veinticuatro medidas de Larghetto y ocho del Trío son cada uno modular; aunque Cowell ofrezca algunas suposiciones, cualquiera hipotéticamente se puede incluir o no y jugarse una vez o repetidamente, permitiendo la pieza estirarse o contraerse en la voluntad de los ejecutantes — el objetivo práctico de ser para dar una libertad del coreógrafo de ajustar la longitud y carácter de una pieza de baile sin las coacciones habituales impuestas por una composición musical preescrita.

Cowell había contribuido al proyecto de la Torre Eiffel al orden de Jaula, quien no estaba solo en el préstamo del apoyo a su amigo y ex-profesor. La causa de Cowell había sido tomada por compositores y músicos alrededor del país, aunque unos cuantos, incluso Ives, rompieran el contacto con él. Cowell finalmente se puso en libertad condicional en 1940; se trasladó a la costa oriental y el año siguiente se casó con Sidney Hawkins Robertson (1903–1995, nombre casado Sidney Robertson Cowell), un erudito de la música folklórica prominente que había contribuido decisivamente a la ganancia de su libertad. Concedieron a Cowell un perdón en 1942.

Carrera tardía

A pesar del perdón — que permitió que él trabajara en el Office de la información de guerra, creando programas de radio para la emisión en el extranjero — la detención, el encarcelamiento y la mala fama asistente tenían un efecto devastador en Cowell. Conlon Nancarrow, encontrándole por primera vez en 1947, hizo un informe, "La impresión que conseguí era que era una persona aterrorizada, con un sentimiento que 'van a conseguirle.'" La experiencia tomó un peaje durable en su música: la salida compositiva de Cowell se hizo sorprendentemente más conservadora pronto después de su liberación de San Quentin, con ritmos más simples y una lengua armónica más tradicional. Muchos de sus trabajos posteriores están basados en la música folklórica americana, como la serie de dieciocho Melodías de Fuguing y el Himno (1943–64); la música folklórica había desempeñado seguramente un papel en las composiciones de antes de la guerra de vario Cowell, pero las transformaciones provocativas que habían sido su firma en gran parte se abandonaron ahora. Y, como Nancarrow observó, había otras consecuencias del encarcelamiento de Cowell: "Por supuesto, después de esto, políticamente, guardó su boca completamente cerrada. Había sido radical políticamente, también, antes."

Ya no un radical artístico, Cowell sin embargo retuvo una facilidad progresiva y siguió siendo un líder (junto con Harrison y McPhee) en la incorporación de locuciones musicales no occidentales, como en Ongaku conjugado por los japoneses (1957), Sinfonía núm. 13, "Madrás" (1956–58) (que tenía su estreno en la ciudad epónima), y el Homenaje a Irán (1959). Su fecha de canciones más irresistible, conmovedora a partir de esta era, incluso la Música Oí (a un poema de Conrad Aiken; 1961) y Lumbre y Lámpara (a un poema de Gene Baro; 1962). A pesar de la ruptura en su amistad con Ives, Cowell, en la colaboración con su esposa, escribió el primer estudio principal de la música de Ives y proporcionó el apoyo crucial a Harrison ya que su ex-alumno defendió el redescubrimiento de Ives. Cowell continuó dando clases — Burt Bacharach, J. H. Kwabena Nketia e Irwin Swack estaban entre sus estudiantes de la posguerra — y sirvieron de un consultor de Archivos de Costumbres populares durante más de una década que comienza a principios de los años 1950, escribiendo notas del transatlántico y corrigiendo tales colecciones como la Música de los Pueblos del Mundo (1951–61) (también recibió un programa de radio del mismo nombre) y la Música Primitiva del mundo (1962). En 1963 registró busca, representaciones vivas de veinte de sus piezas del piano seminales para un álbum de Costumbres populares. Quizás liberado por el paso del tiempo y su propia precedencia, en sus años finales Cowell otra vez produjo varios trabajos individualistas de modo impresionante, como la Tesis (Sinfonía núm. 15; 1960) y 26 Mosaicos Simultáneos (1963).

Cowell se eligió al Instituto americano de Artes y Cartas en 1951. Murió en 1965 en Nueva York, Sombreada, después de una serie de enfermedades.

Véase también

Notas

Nota: la datación correcta y la ortografía de títulos en todas partes están basadas en el estándar musicography, La Música de Henry Cowell: Un Catálogo Descriptivo, por Guillermo Lichtenwanger (Brooklyn, Nueva York: Instituto del Colegio de Brooklyn de Estudios en Música americana, 1986).

Fuentes

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